Klee
ISBN : 9783836501095
Fort de ses théories minutieuses et de milliers de tableaux, dessins et aquarelles, Paul Klee (1879-1940) est considéré comme l'un des chefs de file les plus cérébraux et les plus prolifiques de l'art européen au XXe siècle. Même s'il a souvent créé des petits formats, ses oeuvres sont remarquables par leur profondeur sophistiquée et leurs nuances méticuleuses visibles dans le trait, la couleur et les tonalités. Le style de Klee s'est affirmé quand il est entré dans le groupe expressionniste allemand du Blaue Reiter (le Cavalier bleu) et surtout lors d'un voyage en Tunisie en 1914 qui a métamorphosé son usage de la couleur. Après la guerre, il enseigne dans la prestigieuse école du Bauhaus où ses cours, comme sa
Diego Rivera (1886-1957) - Un esprit révolutionnaire dans l'art moderne
ISBN : 9783836504126
Diego Rivera (1886-1957) est une présence tonitruante sur la scène artistique. Animé par des principes politiques fervents et une vie personnelle turbulente, il fut à la fois le mari et le paladin de Frida Kahlo, le défenseur puis l'adversaire de l'Union soviétique de Staline, le libérateur et le traître de Léon Trotsky. Vibrantes de vie, graphiques et souvent monumentales, les fresques de Rivera sont porteuses de la même charge politique et passionnelle que sa vie intime. En opérant la fusion de ses influences européennes comme le cubisme et l'idéologie socialiste avec une exaltation de l'héritage populaire et indigène du Mexique, il créa une iconographie nouvelle dans l'histoire de l'art et dans celle de son pays. Il demeure une des figures les plus importantes du mouvement muraliste mexicain, qui reçut les louanges du public international pour ses fresques publiques où s'exprimait dans toute sa densité une vision utopique mais accessible d'un Mexique post-révolutionnaire. En 1931, Rivera a fait l'objet de la seconde exposition monographique organisée au MoMA. Ce livre explore le mélange unique d'influences et d'idéologie qui vaut à Rivera une place irréfutable au panthéon des peintres universels. Etroitement liée à son environnement turbulent, le Mexique du 20e siècle, son oeuvre est aussi marquée par une préoccupation sincère pour la révolution et les inégalités sociales, sujets qui résonnent de façon très actuelle.
Kandinsky
ISBN : 9782809914283
Kandinsky naît à Moscou en 1866. Il y suit des études de droit, avant de tout abandonner pour se consacrer à l'art. Au cours de son apprentissage de la peinture en Allemagne, il rencontre l'artiste Gabriele Münter, qui l'emmène sillonner le monde. Pendant très longtemps, le Russe fait figure d'amateur. Ce n'est qu'en 1908 qu'il débute sa véritable carrière : ses peintures deviennent plus abstraites et il y développe le principe d'autonomie croissante des couleurs. Quelques années plus tard, ses idées artistiques sont rassemblées dans l'ouvrage Point et ligne sur plan.
Expressionisme
ISBN : 9783836505277
Angles aigus, formes étranges, couleurs intenses et perspectives déformées sont autant de marques de fabrique de l'expressionnisme, mouvement du 20e siècle faisant primer l'émotion sur la réalité objective. Particulièrement important en Allemagne et en Autriche, ce mouvement a vite pris une dimension internationale et est aujourd'hui considéré comme une des évolutions capitales de l'histoire de l'art. A travers ses groupes majeurs, Die Brücke (Le Pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), et ses figures aussi importantes que Vassily Kandinsky, Egon Schiele ou Emil Nolde, l'expressionnisme a renié l'impressionnisme considéré comme un "homme rabaissé au rang de gramophone du monde extérieur", pour décrire à la place une expérience crue et viscérale de la vie, telle qu'elle était vécue plutôt que perçue de manière superficielle. Les tableaux expressionnistes débordent d'une force sensible, transmise notamment par des palettes de couleur intenses et non naturalistes, d'amples traits de pinceaux et d'épaisses textures. En s'attachant aux tendances stylistiques du groupe, à ses influences et à ses principaux protagonistes, ce livre introductif explore le panorama expressionniste d'humeurs, d'idées et d'émotions et sa quête constante de profonde authenticité.
Gustav Klimt (1862-1918) - Le monde comme une forme féminine
ISBN : 9783836558068
La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla : l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort. Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque. Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise. Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.
Amedeo Modigliani (1884-1920) - La poésie du regard
ISBN : 9783836503655
Amedeo Modigliani (1884-1920) a tracé des odes infinies aux formes féminines, inscrivant ses corps allongés, ses yeux en amande et son propre nom dans l'histoire de l'art. Ses personnages féminins alanguis au longs cous, surprenants et sensuels, se reconnaissent au premier coup d'oeil. Le style unique de Modigliani correspondait à son idéal de beauté personnel, mais s'inspirait d'une riche variété d'influences visuelles, dont le cubisme, les gravures africaines, les sculptures cambodgiennes et la peinture du XIIIe siècle de son Italie natale. S'il est surtout connu pour ses nus de femmes, Modigliani a usé de techniques similaires pour ses portraits d'artistes contemporains, comme Pablo Picasso, Jean Cocteau et Chaïm Soutine. A travers des oeuvres clé de sa palette très personnelle, ce livre introduit la carrière aussi brève que glorieuse de Modigliani au coeur du foyer moderniste de Paris.
Mark Rothko (1903-1970) - "Des tableaux comme des drames"
ISBN : 9783836504256
Rebelle à toute interprétation ou classification, Mark Rothko (1903-1970) fut l'éminent défenseur d'une totale liberté d'expression de l'artiste. Bien qu'identifié comme un protagoniste clé du mouvement expressionniste abstrait, d'abord formé à New York, Rothko rejetait cette étiquette et insistait sur "l'expérience consommée entre le tableau et celui qui le regarde". Après quelques oeuvres figuratives, Rothko développa ses toiles aujourd'hui emblématiques composées d'audacieux blocs de couleur - rouges, jaunes, ocres, bruns, noir, verts palpitants, chatoyants... Rothko insistait sur le fait qu'il n'avait pas effacé la présence humaine mais l'avait plutôt remplacée par des symboles et des formes. Ces masses chromatiques intenses étaient ainsi porteuses de tout le tragique de la condition humaine. Dans cet élan, Rothko confère aussi au lecteur un pouvoir sur le potentiel expressif de son oeuvre, convaincu qu' "un tableau vit par la compagnie d'un contemplateur sensible, dans la conscience duquel il se déploie et grandit". De ces oeuvres précoces à ses célèbres champs chromatiques, ce livre présente la démarche intellectuelle et l'influence de l'oeuvre dramatique, intime et révolutionnaire de Rothko.
Cubisme
ISBN : 9783836505383
Lancé par Picasso et Braque, le cubisme a été décrit comme le premier mouvement artistique d'avant-garde au 20e siècle. S'inspirant de la sculpture et des arts africain et amérindien, les cubistes ont déconstruit les conventions européennes liées au point de vue, à la forme et à la perspective pour créer des images révolutionnaires aplaties et fragmentées. Le célèbre tableau de Picasso Les Demoiselles d'Avignon est considéré comme la première oeuvre cubiste, avec sa manière radicale de fracturer objets et silhouettes en zones distinctes correspondant à une multitude de points de vue différents. Le cubisme s'est ensuite développé en deux branches distinctes : le cubisme analytique qui a continué à entremêler des plans de perspective en noirs, gris et ocres mats, puis le cubisme synthétique, caractérisé par des formes plus simples, des couleurs plus vives et des collages, parfois avec du papier journal. A travers des oeuvres d'artistes comme Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes et Robert Delaunay, ce livre présente les principaux protagonistes du cubisme.
Hieronymus Bosch
Ajoutez une touche fantastique à votre intérieur grâce à ces 16 planches prêtes à encadrer, issues de l'oeuvre du génie rebelle de la Renaissance, Hieronymus Bosch, et comprenant des détails spectaculaires du Jardin des délices terrestres.
Manuel typographique
ISBN : 9783836520355
Imprimeur officiel du duc de Parme, Giambattista Bodoni (1740–1813) considérait qu'une police bien conçue tire sa beauté de quatre principes : l'uniformité du dessin, la précision et la clarté, le bon goût et le charme. Dans son Manuale tipografico, publié en 1818 donc après sa mort, il instille ces principes dans un catalogue complet de polices de caractères et définit les normes qui seront, par la suite, celles de l'impression typographique. Cette réédition du chef-d'oeuvre de Bodoni, réalisée avec soin par TASCHEN, célèbre le résultat d'un très haut degré de raffinement technique et d'élégance autant qu'elle remonte aux origines de la fameuse police Bodoni, encore largement utilisée dans l'édition traditionnelle comme dans les médias numériques. A l'image de l'édition originale, le livre présente 142 ensembles de polices romaines et italiques, une vaste sélection de frises, d'ornementations, de symboles et de fleurs, ainsi que les alphabets grec, hébreu, russe, arabe, phénicien, arménien, copte et tibétain.
Diego Velazquez (1599-1660) - Le visage de l'Espagne
ISBN : 9783836532099
Peintre à la cour du roi Philippe IV d'Espagne, Diego Rodriguez de Silva y Velàzquez (juin 1599 - 6 août 1660) n'est pas seulement la figure de proue de l'Age d'or espagnol, il fait aussi partie des grands maîtres les plus illustres de l'histoire de l'art en Occident. Monet et Renoir, Corot et Courbet, Degas et Dali, tous ont reconnu son influence. Ainsi son chef-d'oeuvre, Les Ménines, a si bien inspiré Picasso que celui-ci en a réalisé 44 variations. La valeur de Velàzquez réside notamment dans son approche naturaliste, qui contrastait avec les représentations idéalisées, majoritaires parmi ses contemporains. Ses premières oeuvres comprennent de nombreuses " bodegones ", scènes de genre puisées dans la vie quotidienne du début du XVIIe siècle en Espagne, dans lesquelles les tons chauds, éclatantes et les textures rehaussent les sujets les plus ordinaires et les visages les plus humbles, comme celui de la vieille faisant frire des oeufs. Cette nouvelle édition présente Velàzquez à travers ses principales oeuvres couvrant l'ensemble de sa carrière. De ses humbles scènes de genre à ses portraits royaux, en passant par la délicieuse Vénus à son miroir, et aux mystérieuses Ménines, on découvre le savoir-faire du peintre dans l'art de la composition, de la figuration naturelle et du traitement des couleurs qui ont fait la renommée de Velàzquez, "le plus grand de tous les peintres" selon Manet.
National Geographic infographics
ISBN : 9783836545952
C'est à une époque où l'ère de l'information était un horizon lointain et le monde un univers si mystérieux que National Geographic a entrepris sa mission de faire connaître les merveilles de l'histoire, de la science et de la culture au public enthousiaste du monde entier. Depuis son lancement en 1888, le monde a changé ; les empires se sont étendus, puis effondrés, et une masse d'informations est aujourd'hui à la portée du moindre clic de souris. Pourtant, National Geographic continue d'exister. Sa voix, appréciée pour sa retenue et son sérieux, est plus écoutée que jamais, au milieu du flot d'informations continu qui traverse nos vies quotidiennes. Dans ce nouveau recueil, TASCHEN et National Geographic ont réuni les meilleures infographies publiées
Dali
ISBN : 9783836559997
Peintre, sculpteur, écrivain, réalisateur et homme de spectacle, Salvador Dalí (1904-1989) fut un des plus grands exhibitionnistes et excentriques du vingtième siècle. Il fut aussi un des premiers artistes à appliquer les théories de la psychanalyse freudienne à l'art, et devint célèbre avec ses oeuvres surréalistes, comme les montres molles ou le téléphone homard, qui sont aujourd'hui des jalons de l'entreprise surréaliste et du modernisme en général. Dalí décrivait fréquemment ses peintures comme "des photographies de rêves peints à la main" . La tension captivante qui en émane réside dans la représentation précise d'éléments bizarres et dans ses compositions incongrues. Comme l'expliquait lui-même Dalí, il peignait avec "la plus impérialiste rage de précision" , mais seulement "pour systématiser la confusion et ainsi participer à discréditer totalement le monde de la réalité". Révolutionnant le rôle de l'artiste, le moustachu Dalí eut aussi l'intuition d'exhiber un personnage controversé dans l'arène publique et de créer à travers la gravure, la mode, la publicité, l'écriture et le cinéma une oeuvre qui pouvait être consommée et pas seulement contemplée au mur d'un musée. Ce livre explore à la fois la peinture et la personnalité de Dalí, en présentant ses aptitudes techniques, ses compositions provocatrices et ses thèmes fétiches, souvent ardus - la mort, le pourrissement et l'érotisme.
Dürer
ISBN : 9783836530590
Artiste éclectique de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer (1471-1528) fut un artiste prolifique, mais aussi un théoricien et un écrivain dont les travaux ont exploré tous les domaines, de la théorie de l'art à la philosophie. Son oeuvre immense inclut des retables, des portraits, des autoportraits, des aquarelles et des livres, mais est surtout reconnue pour son impressionnante collection de gravures sur bois, qui contribuèrent à faire de la technique artisanale de l'estampe une forme d'art nouvelle à part entière. Les gravures de Dürer surprennent autant dans leur ensemble que par leurs détails. Dans des oeuvres comme Apocalypse ou L'Arc de triomphe de l'empereur Maximilien Ier, il a largement dépassé en taille, en finesse et en complexité toutes les expériences jamais
Franz Marc, 1880-1916 - Précurseur de la peinture abstraite
ISBN : 9783836534925
Graveur, peintre paysagiste et cofondateur du groupe Der Blaue Reiter ("Le Cavalier bleu"), Franz Marc (1880-1916) a laissé un héritage exceptionnel dans l'expressionnisme allemand, Son oeuvre a assimilé des influences variées incluant Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Henri Matisse et Robert Delaunay jusqu'à renouveler le répertoire des formes et des couleurs. Particulièrement riche en représentations d'animaux, l'oeuvre de Marc, dans ses débuts, a fait intensifier les formes cubistes, semi-abstraites, les compositions tourbillonnantes et, dans ses peintures, le nouveau sens donné à la couleur. Marc associait des valeurs spirituelles à des teintes particulières. Le bleu signifiait la spiritualité et la masculinité. Le jaune évoquait la féminité et la joie. Le rouge correspondait à la colère et à la violence. C'est avec son ami et collègue Vassily Kandinsky que Marc a fondé Der Blaue Reiter, un groupe non officiel d'artistes unis par un intérêt commun pour la gravure, notamment sur bois, la valeur symbolique de la couleur et une pratique spontanée de la peinture. L'existence du groupe fut brève, puisqu'il disparut au début de la Première Guerre mondiale - annonçant également la disparition de Marc en 1916 -, mais il a défini le cadre de l'expressionnisme qui allait prospérer durant des décennies. Cette édition nous fait découvrir une figure éminente de l'art allemand et explore sa carrière, courte mais largement accomplie, qui a autant modelé une génération que servi de base à l'expressionnisme.
Kandinsky
ISBN : 9783836507417
Au cours de sa carrière artistique, Wassily Kandinsky (1866-1944) n'a pas simplement transformé son propre style, mais aussi le cours de l'histoire de l'art. Après avoir commencé par des tableaux figuratifs et des paysages, il s'est lancé dans une utilisation spirituelle, sensible et rythmique de la ligne et de la couleur et est aujourd'hui considéré comme l'auteur du premier tableau abstrait. En plus d'être un artiste, Kandinsky, était aussi professeur et théoricien, et l'intérêt qu'il portait à la musique, la poésie, la philosophie, l'ethnologie, l'occulte, au théâtre et au mythe nourrissait ses tableaux et ses gravures. Il a fait partie des deux groupes influents du Blaue Reiter (le Cavalier bleu) et du Bauhaus et a laissé derrière lui de fascinantes oeuvres
Jeff Koons
ISBN : 9783836508742
Les créations de Jeff Koons (né en 1955) sont à la fois immédiatement accessibles et très éloquentes du point de vue de l'histoire de l'art. De l'aquarium pour ballons de basket aux chiots-fleurs, son travail éminemment reconnaissable flirte avec un imaginaire trivial tout en intégrant les références culturelles du surréalisme et du pop art. L'oeuvre de Koons procure un certain plaisir visuel, mais se savoure aussi dans sa propension à susciter la polémique. L'artiste s'est autant fait connaître par ses sculptures de lapins en acier inoxydable que pour sa statue dérangeante de Michael Jackson et ses séries de photos érotiques de son ex-épouse, Cicciolina. Résultat : un statut de méga-artiste. Maître incontestable de la culture visuelle contemporaine, Koons est salué par les collectionneurs d'art et les institutions autant que par le public. A travers les créations majeures de Koons accompagnées de textes courts signés par Katy Siegel, Hans Werner Holzwarth et Eckhard Schneider, ce livre offre en un clin d'oeil un panorama de l'oeuvre complet de Koons et présente l'univers de ce géant de l'art mondial, depuis ses premières fleurs gonflables à ses réalisations les plus récentes.
FUSE 1-20 - From Invention to Antimatter: Twenty years of FUSE
ISBN : 9783836525015
Lancée en 1991 par Neville Brody et Jon Wozencroft, FUSE est une publication révolutionnaire qui a ouvert au design et à la typographie des horizons surprenants, radicalement nouveaux. L'impact fondamental de cette approche expérimentale révolutionnaire du langage typographique se fait encore ressentir aujourd'hui, 20 ans après sa création, où les explorations entreprises par quelques-uns des plus grands noms de l'industrie se démarquent toujours par leur côté futuriste et précurseur. En choisissant de s'appuyer sur l'alphabet et grâce à l'avènement du design numérique, FUSE est devenu un laboratoire d'idées et de risques inédits, terrain propice à l'élaboration d'une pensée novatrice. L'ensemble des 20 numéros, dont chacun est consacré à un thème précis et comprend à la fois les polices et les affiches conçus par des collaborateurs spécialement choisis pour l'occasion, sont présentés dans cet ouvrage. Pour célébrer la sortie du numéro 20, TASCHEN vous propose un recueil de 416 pages de tous les numéros. En exclusivité, vous découvrirez également FUSE19 et FUSE20, les deux tout nouveaux numéros encore jamais publiés, ainsi que 10 affiches A2 et 24 polices téléchargeables qui font de ce coffret un objet de collection. Voici le trésor créé par les plus grands penseurs contemporains du design de police : la liste des collaborateurs de FUSE est un véritable who's who du design de police, d'Erik Spiekermann à Stefan Sagmeister, en passant par Peter Saville, Jonathan Barnbrook et Tobias Frere-Jones, et bien d'autres encore. Adrian Shaughnessy et Jon Wozencroft comptent parmi les collaborateurs éditoriaux. Cette édition spéciale comprend : 10 affiches en exclusivité des éditions de FUSE19 et FUSE20 encore inéditesDes affiches réalisées par les designers typographiques les plus célèbres et les plus innovants des 20 dernières annéesUne carte à code pour télécharger les polices des numéros 19 et 20L'intégralité des numéros 1 à 18 épuisés, rassemblés dans un livre conçu par Neville Brody
Futurisme
ISBN : 9783836505680
Avec pour tropes préférés le mouvement et les machines, le futurisme a été fondé en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti avec les peintres Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, et Gino Severini. Ce groupe, auquel ont adhéré peintres, sculpteurs, designers, architectes et écrivains, a cherché à se débarrasser de l'establishment poussiéreux pour entrer dans une nouvelle ère d'élégance, de puissance et de modernité purifiée. Le futurisme occupe dans l'histoire de l'art une place aussi ambivalente qu'importante. Le mouvement qui a inventé des méthodes révolutionnaires pour saisir mouvement, lumière et vitesse est aussi controversé pour avoir glorifié la guerre et la politique fasciste. Les tableaux frénétiques, presque furieux, des futuristes sont aussi remarquables par leur agressivité machiste que leurs expériences radicales autour du trait, de la texture et de la couleur dans leur tentative de saisir un objet en mouvement dans l'espace. A travers des exemples clé de la prolifique production des futuristes et ses plus grands représentants, ce livre présente le mouvement qui a craché du vitriol sur tous les -ismes du passé, créant par là son propre-isme.
Kahlo
ISBN : 9783836500845
Les toiles captivantes de Frida Kahlo (1907-54) étaient à bien des égards l'expression d'un traumatisme. Très grave accident de la route à 18 ans, santé fragile, mariage houleux, fausse couche et absence d'enfant, elle transforma toutes ses souffrances en art révolutionnaire. Dans ses autoportraits fidèles ou métaphoriques, Kahlo pose sur le spectateur un regard brûlant d'audace, elle rejette son destin de victime passive et préfère entrelacer les expressions de son expérience pour façonner un lexique vital hybride où se mêlent réel et surréel: cheveux, racines, veines, tendons et trompes utérines. Nombre de ses oeuvres explorent aussi les idéaux politiques communistes qu'elle partage avec Rivera. Elle décrivit ses toiles comme « la chose la plus sincère et la plus réelle que je
Edward Hopper 1882-1967 - Métamorphoses du réel
ISBN : 9783836500326
La vie d’Edward Hopper (1882-1967) ressemble un peu à une success story à l’américaine, sauf que son succès s’est fait attendre. A l’âge de 4o ans, l’artiste peu connu luttait pour vendre le moindre tableau. A près de 8o ans, il a fait la couverture du magazine Time. Aujourd’hui, un demi-siècle après sa mort, Hopper est considéré comme un géant de l’expression moderne, au sens de l’espace et de l’atmosphère tout à fait singulier, à la fois inoubliable et troublant. Une grande partie de l’oeuvre d’Hopper met au jour l’expérience de la ville moderne. Toile après toile, il a représenté dîners, cafés, vitrines, stations service, gares, chambres d’hôtel et lumières de la ville. Ses tableaux sont marqués par des juxtapositions de couleurs vives et un éclairage théâtral et cru, ainsi que des silhouettes très marquées qui semblent aussi intégrées qu’étrangères à leur environnement. L ; atmosphère qui se dégage de cet univers est un mélange de trouble étrange, d’aliénation, de solitude et de tension psychologique, même si les scènes rurales ou côtières de l’artiste peuvent offrir un contre- point de tranquillité ou d’optimisme. Ce livre présente des oeuvres clés de Hopper pour mettre en valeur un acteur essentiel, non seulement de l’histoire de l’art américain, mais aussi de la psyché américaine.
Hiroshige
ISBN : 9782809913699
Hiroshige (1797-1858) est l'un des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Il se distingue par une approche poétique de la nature : ses paysages, bien que réalistes, sont toujours teintés d'onirisme grâce à la manière dont l'artiste joue avec la lumière, les dégradés de couleur, le rendu atmosphérique. Des scènes de genre se profilent généralement au premier plan, nous plongeant dans le quotidien des Japonais au XIXe siècle. L'oeuvre d'Hiroshige va marquer incontestablement l'histoire de l'art, non seulement par l'influence qu'il a eue sur les impressionnistes, mais aussi par la fascination qu'il exerce encore aujourd'hui.
10 leçons pour apprendre à dessiner le corps humain
ISBN : 9782501117364
Destiné aux débutants et à tous ceux qui désirent se perfectionner, ce livre propose une série de leçons pour aborder les techniques de base du dessin de l'anatomie. - Des explications simples et pratiques. - Tout le matériel et les fournitures indispensables pour le dessin clairement présentés. - De nombreux dessins anatomiques pour comprendre le corps humain. - Des conseils et des astuces de « pro » pour observer et travailler d'après un modèle vivant. - Des informations détaillées pour réaliser des portraits.