Arts

Avec son sens du détail autant que de l'ensemble, Karl Friedrich Schinkel (1781 1841) s'est fait connaître comme architecte et urbaniste, mais aussi comme peintre et comme concepteur de meubles et de décors de théâtre. Son travail fut tant admiré par le roi Frédéric-Guillaume III que Schinkel devint l'architecte officiel de la Prusse et oeuvra comme tel durant presque toute sa carrière, bâtissant les grands monuments de Berlin, y compris le Schauspielhaus et le Altes Museum. La plupart des oeuvres les plus célèbres de Schinkel sont de style néo-classique, plus proches des canons de la Grèce antique que de ceux de la Rome impériale. Schinkel adopte ensuite une esthétique néo-gothique, comme en témoignent les fenêtres élancées et la nef en enfilade

Bien qu'il n'ait duré que trois années de turbulence, le mouvement "Der Blaue Reiter" ou "Cavalier bleu" (1911. 1914), a exercé une influence considérable sur le développement de l'art moderne européen. Baptisé d'après une peinture de Kandinsky, Le Cavalier bleu, ce collectif d'artistes regroupés autour de l'émigré russe Vassily Kandinsky et du peintre allemand Franz Marc rejeta les normes établies et pénétra avec fracas dans un inconnu artistique renouvelé. Associant leurs valeurs spirituelles et leurs craintes devant une époque d'industrialisation effrénée, les artistes du " Blaue Reiter " étaient réunis par un intérêt commun pour la peinture, la gravure sur bois et les estampes, ainsi que par la symbolique des couleurs et une approche spontanée de la création. Des oeuvres d'art maîtresses telles que Cheval bleu I de Franz Marc (1911), tableau avec l'arc noir de Kandinsky (1912) et Dame en veste verte d'August Macke (1913) abordent des sujets variés, mais se caractérisent toutes par des perspectives distordues, des lignes grossières et une utilisation hyperbolique et expressionniste de la couleur. " Le Cavalier bleu" fut disloqué, au début de la Première Guerre mondiale, après la mort de deux de ses membres éminents et des dissensions croissantes entre les protagonistes du groupe. Cet ouvrage révèle l'influence remarquable du mouvement et en présente les oeuvres majeures, les artistes et leur rayonnement ultérieur.

August Macke (1887-1914) est parvenu à la notoriété à un âge précoce, avant d'être tué à seulement 27 ans, dès le début de la Première Guerre mondiale. Pourtant, malgré la brièveté de sa carrière, cet artiste remarquable a laissé derrière lui une impressionnante oeuvre picturale dans laquelle son obsession de la couleur a trouvé, par certains aspects, un écho dans l'impressionnisme, le post-impressionnisme, le fauvisme et l'expressionnisme. Par ses liens avec ces différentes écoles artistiques, Macke a assimilé des influences variées, les abordant dans un style bien à lui. Affilié au Blaue Reiter ("Le Cavalier bleu"), mais fuyant le mysticisme qui a souvent envahi les travaux des artistes de ce groupe, Macke n'a cessé de revenir à la couleur pour interpréter la beauté, comme dans la Boutique de chapeaux (1913), aquarelle à la composition kaléidoscopique, ou la Femme à la veste verte (1913), aux tonalités chatoyantes. Ce travail des nuances atteint son apogée en 1914 quand Macke part pour Tunis en compagnie de Klee et Moilliet, et se familiarise avec la luminosité de l'Afrique du Nord. Ces allusions simultanées au cubisme autant qu'à l'impressionnisme tiennent une place centrale dans des oeuvres comme l'Homme lisant dans un parc (1914), où la force de son cadrage resserré sur le sujet donne à la scène une légère tension. A travers des exemples majeurs issus de son univers pictural vibrant, cet ouvrage présente la carrière brève mais décisive de Macke, peintre précurseur de l'expressionnisme. Depuis ses scènes joyeuses de promenades, dans les jardins et les zoos, à son immense oeuvre ultime funestement intitulée Adieu (1914), on découvre sa remarquable maîtrise des effets visuels et sa quête effrénée pour cerner la palette d'émotions offerte par la couleur.

Graveur, peintre paysagiste et cofondateur du groupe Der Blaue Reiter ("Le Cavalier bleu"), Franz Marc (1880-1916) a laissé un héritage exceptionnel dans l'expressionnisme allemand, Son oeuvre a assimilé des influences variées incluant Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Henri Matisse et Robert Delaunay jusqu'à renouveler le répertoire des formes et des couleurs. Particulièrement riche en représentations d'animaux, l'oeuvre de Marc, dans ses débuts, a fait intensifier les formes cubistes, semi-abstraites, les compositions tourbillonnantes et, dans ses peintures, le nouveau sens donné à la couleur. Marc associait des valeurs spirituelles à des teintes particulières. Le bleu signifiait la spiritualité et la masculinité. Le jaune évoquait la féminité et la joie. Le rouge correspondait à la colère et à la violence. C'est avec son ami et collègue Vassily Kandinsky que Marc a fondé Der Blaue Reiter, un groupe non officiel d'artistes unis par un intérêt commun pour la gravure, notamment sur bois, la valeur symbolique de la couleur et une pratique spontanée de la peinture. L'existence du groupe fut brève, puisqu'il disparut au début de la Première Guerre mondiale - annonçant également la disparition de Marc en 1916 -, mais il a défini le cadre de l'expressionnisme qui allait prospérer durant des décennies. Cette édition nous fait découvrir une figure éminente de l'art allemand et explore sa carrière, courte mais largement accomplie, qui a autant modelé une génération que servi de base à l'expressionnisme.

Durant près de soixante-dix ans, Georgia O'Keeffe (1887–1986) fut considérée comme une figure majeure de l'art moderne américain. Et au-delà, sa notoriété ne fut pas liée aux styles et aux tendances éphémères de l'art, mais plutôt à sa vision singulière, reposant sur la découverte de formes fondamentales et abstraites dans la nature. Les thèmes de prédilection de Georgia O'Keeffe étaient des paysages, des fleurs et des ossements, chaque sujet étant exploré durant plusieurs années à travers des séries successives. Certains travaux se poursuivirent sur plusieurs décennies et donnèrent lieu à 12 variations ou plus d'une même image originale. Parmi elles, les plus célèbres sont ses très gros plans d'arums et d'iris. En agrandissant le plus petit pétale pour qu'il couvre la toile entière, O'Keeffe a élaboré un style annonçant l'abstraction, qui s'appuie sur les formes et les lignes, lui valant le titre de "mère du modernisme américain". En 1946, O'Keeffe devient la première artiste féminine à se voir consacrée une exposition au MoMA de New York. Cet ouvrage introductif retrace la longue et lumineuse carrière de Georgia O'Keeffe à travers ses principales peintures, des photographies d'époque et des portraits pris par Alfred Stieglitz, son époux. On suit l'artiste dans ses innovations avant-gardistes, ses découvertes majeures, ses voyages et inspirations qui l'ont menée vers l'Asie du Sud, l'Inde, le Moyen-Orient et surtout vers les paysages majestueux, les couleurs vives et la flore exotique du Nouveau-Mexique.

Peintre à la cour du roi Philippe IV d'Espagne, Diego Rodriguez de Silva y Velàzquez (juin 1599 - 6 août 1660) n'est pas seulement la figure de proue de l'Age d'or espagnol, il fait aussi partie des grands maîtres les plus illustres de l'histoire de l'art en Occident. Monet et Renoir, Corot et Courbet, Degas et Dali, tous ont reconnu son influence. Ainsi son chef-d'oeuvre, Les Ménines, a si bien inspiré Picasso que celui-ci en a réalisé 44 variations. La valeur de Velàzquez réside notamment dans son approche naturaliste, qui contrastait avec les représentations idéalisées, majoritaires parmi ses contemporains. Ses premières oeuvres comprennent de nombreuses " bodegones ", scènes de genre puisées dans la vie quotidienne du début du XVIIe siècle en Espagne, dans lesquelles les tons chauds, éclatantes et les textures rehaussent les sujets les plus ordinaires et les visages les plus humbles, comme celui de la vieille faisant frire des oeufs. Cette nouvelle édition présente Velàzquez à travers ses principales oeuvres couvrant l'ensemble de sa carrière. De ses humbles scènes de genre à ses portraits royaux, en passant par la délicieuse Vénus à son miroir, et aux mystérieuses Ménines, on découvre le savoir-faire du peintre dans l'art de la composition, de la figuration naturelle et du traitement des couleurs qui ont fait la renommée de Velàzquez, "le plus grand de tous les peintres" selon Manet.

Artiste éclectique de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer (1471-1528) fut un artiste prolifique, mais aussi un théoricien et un écrivain dont les travaux ont exploré tous les domaines, de la théorie de l'art à la philosophie. Son oeuvre immense inclut des retables, des portraits, des autoportraits, des aquarelles et des livres, mais est surtout reconnue pour son impressionnante collection de gravures sur bois, qui contribuèrent à faire de la technique artisanale de l'estampe une forme d'art nouvelle à part entière. Les gravures de Dürer surprennent autant dans leur ensemble que par leurs détails. Dans des oeuvres comme Apocalypse ou L'Arc de triomphe de l'empereur Maximilien Ier, il a largement dépassé en taille, en finesse et en complexité toutes les expériences jamais

Riche d'une production artistique s'étendant sur près de soixante-dix ans, le Catalan Joan Miró (1893-1983) demeure une immense figure touche-à-tout de l'art moderne qui a produit des oeuvres maîtresses en peinture, sculpture, livres d'artiste, tapisserie et céramique, et a embrassé des courants de pensée aussi variés que le fauvisme, le surréalisme, le dadaïsme, le réalisme magique, le cubisme et l'abstraction. Durant toute sa carrière, Miró a constamment évolué, cherchant à échapper à toute catégorisation et à l'approbation des critiques d'art "bourgeois" au fur et à mesure qu'il progressait dans l'élaboration de ses univers oniriques. Emergeant sous les projecteurs au début des années 1920, il expérimente le fauvisme et le cubisme, avant de développer son propre style fait de symboles et de pictogrammes organisés en scènes narratives visuelles pleines de mystère, faisant notamment référence à ses racines catalanes. Puis, Miró évolua vers le surréalisme et, bien qu'il ne fût jamais associé à ce mouvement, il apparaît comme l'un de ses praticiens les plus célèbres avec son usage de techniques telles que le dessin automatique, l'abstraction lyrique et la peinture en champs de couleur. Durant les dernières années, il diversifia ses supports, abordant des arts comme la céramique, le textile, et présentant même des sculptures gazeuses. Couleurs vives, fantaisies oniriques et symboles énigmatiques, cet ouvrage réunit et dénoue les nombreux fils de l'oeuvre kaléidoscopique de Miró pour donner un aperçu de sa fascinante carrière, de ses relations avec les grands mouvements modernistes et des coulisses d'une légende du modernisme.

Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique. Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme. Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination.

Lancée en 1991 par Neville Brody et Jon Wozencroft, FUSE est une publication révolutionnaire qui a ouvert au design et à la typographie des horizons surprenants, radicalement nouveaux. L'impact fondamental de cette approche expérimentale révolutionnaire du langage typographique se fait encore ressentir aujourd'hui, 20 ans après sa création, où les explorations entreprises par quelques-uns des plus grands noms de l'industrie se démarquent toujours par leur côté futuriste et précurseur. En choisissant de s'appuyer sur l'alphabet et grâce à l'avènement du design numérique, FUSE est devenu un laboratoire d'idées et de risques inédits, terrain propice à l'élaboration d'une pensée novatrice. L'ensemble des 20 numéros, dont chacun est consacré à un thème précis et comprend à la fois les polices et les affiches conçus par des collaborateurs spécialement choisis pour l'occasion, sont présentés dans cet ouvrage. Pour célébrer la sortie du numéro 20, TASCHEN vous propose un recueil de 416 pages de tous les numéros. En exclusivité, vous découvrirez également FUSE19 et FUSE20, les deux tout nouveaux numéros encore jamais publiés, ainsi que 10 affiches A2 et 24 polices téléchargeables qui font de ce coffret un objet de collection. Voici le trésor créé par les plus grands penseurs contemporains du design de police : la liste des collaborateurs de FUSE est un véritable who's who du design de police, d'Erik Spiekermann à Stefan Sagmeister, en passant par Peter Saville, Jonathan Barnbrook et Tobias Frere-Jones, et bien d'autres encore. Adrian Shaughnessy et Jon Wozencroft comptent parmi les collaborateurs éditoriaux. Cette édition spéciale comprend : 10 affiches en exclusivité des éditions de FUSE19 et FUSE20 encore inéditesDes affiches réalisées par les designers typographiques les plus célèbres et les plus innovants des 20 dernières annéesUne carte à code pour télécharger les polices des numéros 19 et 20L'intégralité des numéros 1 à 18 épuisés, rassemblés dans un livre conçu par Neville Brody