Livre

Le nom d'Alfred Hitchcock est synonyme de suspense ou, plus exactement, d'un suspense captivant, mené de main de maître, presque insoutenable, qui donne la chair de poule, des sueurs froides et fait dresser les cheveux sur la tête. Grâce à des chefs-d'oeuvre comme Rebecca, Sueurs froides, Fenêtre sur cour et Psychose, Hitchcock (1899-1980) a inventé une nouvelle approche cinématographique de l'intrigue et de la peur grâce à sa maîtrise du rythme, à sa subtilité et à son pouvoir de suggestion. Ce guide complet retrace la vie et la carrière de Hitchcock, de ses premiers films muets à son dernier long métrage Complot de famille, sorti en 1976. Réactualisé avec des images inédites, le livre, véritable trésor pour les passionnés de cinéma, contient des entrées détaillées pour chacun des 53 films de Hitchcock, un essai pointu qui dévoile ses stratagèmes pour susciter la peur, des clichés du maître en plein travail, sans oublier une liste illustrée de toutes ses apparitions furtives.

Avec ses bâtiments géométriques nichés à flanc de montagne, sur les plages et les déserts de la Californie, John Lautner (1911-1994) a signé bon nombre des architectures les plus impressionnantes et les plus innovantes du milieu du XXe siècle en Amérique. Cette introduction réunit les projets les plus importants de Lautner pour découvrir son utilisation ingénieuse des matériaux de construction modernes et son répertoire esthétique audacieux fait de toits immense, de murs en verre et de poutres en acier. Bâtiments commerciaux ou résidences emblématiques telles que la "Chemosphere" révèlent la sensibilité de Lautner pour l'environnement de ses édifices et son talent unique pour intégrer ses structures dans les paysages de la Californie. Tandis que plusieurs édifices de Lautner ont été classés "monuments historiques et culturels de Los Angeles" , l'héritage culturel de l'architecte s'envisage autant comme celui d'un précurseur de la construction que comme une synthèse visuelle des années 1950 marquées par l'optimisme, la croissance économique et l'aventure spatiale.

Dessiner des maisons privées suppose pour l'architecte de relever des défis et de trouver des aménagements très spécifiques. Si l'échelle est plus modeste que celle des projets publics et que l'équipement technique est moins complexe que sur un site industriel, les préférences, exigences et projections de personnalités singulières deviennent prioritaires. Le plus délicat est de transformer toutes les associations sensibles et les exigences pratiques de la "maison" en réalité concrète et construite. Cette publication rassemble 100 maisons parmi les plus intéressantes et les plus innovantes de ces vingt dernières années et présente une pléiade de talents, nouveaux ou confirmés, comme John Pawson, Shigeru Ban, Tadao Ando ou Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Daniel Libeskind, Alvaro Siza et Peter Zumthor. Correspondre

La vie et l'époque de Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1526/1530-1569) ont été marquées par de violents conflits culturels. Il a ainsi connu des guerres de religion, le règne brutal du duc d'Albe alors gouverneur des Pays-Bas et les effets palpables de l'Inquisition. A ce jour, la vie de l'artiste flamand demeure nimbé de mystère. Nous ne savons pas exactement où et quand il est né. Si les érudits ont d'abord souligné le caractère vernaculaire de sa peinture et de ses gravures, la recherche moderne accorde plus d'importance à l'aspect humaniste de son oeuvre. Après avoir conçu des dessins préliminaires pour l'éditeur Jérôme Cock, Bruegel réalise plusieurs séries d'estampes qui furent distribuées dans toute l'Europe. Elles dépeignent les vices et les vertus au détour de fêtes paysannes endiablées et de paysages à perte de vue. Il se tourne ensuite de plus en plus vers la peinture, puisant sa clientèle dans l'élite culturelle d'Anvers ou de Bruxelles. Cette monographie témoigne de l'évolution d'un artiste qui prit à bras le corps les grands motifs de conflit de son temps et proposa des inventions et des solutions nouvelles. Plutôt que d'idéaliser la réalité, il représenta les horreurs des guerres de religion et prit des positions critiques à l'égard de l'Eglise catholique. Il imagina ainsi son propre répertoire visuel de la dissidence, incorporant ses messages subliminaux dans des scènes innocentes du quotidien afin d'échapper aux blâmes. Cette anthologie réunit ainsi l'ensemble de ses 40 toiles, 65 dessins et 89 gravures impeccablement reproduits, autant de pièces qui témoignent à la fois des moeurs religieuses et de la culture populaire qui unissait les communautés à l'époque de Bruegel.

Largement autodidacte en tant qu'artiste, Francis Bacon (1909-1992) développa une capacité unique à transformer l'intériorité et les élans inconscients en formes figuratives dans des compositions intenses et confinées. Parvenu à une notoriété certaine après la Seconde Guerre mondiale, Bacon prit le corps humain comme sujet de prédilection, mais un sujet ravagé, déformé et démembré, traversé par des émotions intenses sous lesquelles il se tord et gémit de douleur. Ces membres qui fouettent l'air désespérément, ces vides béants et ces excroissances tumorales forment des portraits poignants, souvent grotesques qui sont autant des réflexions sur les épreuves et les traumatismes de la condition humaine que des études de caractère. Ces formes envoûtantes et terrifiantes furent aussi parmi les premières de l'histoire de l'art à représenter des thèmes ouvertement homosexuels. Ce livre est une introduction à l'oeuvre érotique, déstabilisant et inoubliable de Bacon, un corpus transformateur souvent imité, beaucoup analysé, mais surtout ressenti.

Lancée en 1991 par Neville Brody et Jon Wozencroft, FUSE est une publication révolutionnaire qui a ouvert au design et à la typographie des horizons surprenants, radicalement nouveaux. L'impact fondamental de cette approche expérimentale révolutionnaire du langage typographique se fait encore ressentir aujourd'hui, 20 ans après sa création, où les explorations entreprises par quelques-uns des plus grands noms de l'industrie se démarquent toujours par leur côté futuriste et précurseur. En choisissant de s'appuyer sur l'alphabet et grâce à l'avènement du design numérique, FUSE est devenu un laboratoire d'idées et de risques inédits, terrain propice à l'élaboration d'une pensée novatrice. L'ensemble des 20 numéros, dont chacun est consacré à un thème précis et comprend à la fois les polices et les affiches conçus par des collaborateurs spécialement choisis pour l'occasion, sont présentés dans cet ouvrage. Pour célébrer la sortie du numéro 20, TASCHEN vous propose un recueil de 416 pages de tous les numéros. En exclusivité, vous découvrirez également FUSE19 et FUSE20, les deux tout nouveaux numéros encore jamais publiés, ainsi que 10 affiches A2 et 24 polices téléchargeables qui font de ce coffret un objet de collection. Voici le trésor créé par les plus grands penseurs contemporains du design de police : la liste des collaborateurs de FUSE est un véritable who's who du design de police, d'Erik Spiekermann à Stefan Sagmeister, en passant par Peter Saville, Jonathan Barnbrook et Tobias Frere-Jones, et bien d'autres encore. Adrian Shaughnessy et Jon Wozencroft comptent parmi les collaborateurs éditoriaux. Cette édition spéciale comprend : 10 affiches en exclusivité des éditions de FUSE19 et FUSE20 encore inéditesDes affiches réalisées par les designers typographiques les plus célèbres et les plus innovants des 20 dernières annéesUne carte à code pour télécharger les polices des numéros 19 et 20L'intégralité des numéros 1 à 18 épuisés, rassemblés dans un livre conçu par Neville Brody

Peintre à la cour du roi Philippe IV d'Espagne, Diego Rodriguez de Silva y Velàzquez (juin 1599 - 6 août 1660) n'est pas seulement la figure de proue de l'Age d'or espagnol, il fait aussi partie des grands maîtres les plus illustres de l'histoire de l'art en Occident. Monet et Renoir, Corot et Courbet, Degas et Dali, tous ont reconnu son influence. Ainsi son chef-d'oeuvre, Les Ménines, a si bien inspiré Picasso que celui-ci en a réalisé 44 variations. La valeur de Velàzquez réside notamment dans son approche naturaliste, qui contrastait avec les représentations idéalisées, majoritaires parmi ses contemporains. Ses premières oeuvres comprennent de nombreuses " bodegones ", scènes de genre puisées dans la vie quotidienne du début du XVIIe siècle en Espagne, dans lesquelles les tons chauds, éclatantes et les textures rehaussent les sujets les plus ordinaires et les visages les plus humbles, comme celui de la vieille faisant frire des oeufs. Cette nouvelle édition présente Velàzquez à travers ses principales oeuvres couvrant l'ensemble de sa carrière. De ses humbles scènes de genre à ses portraits royaux, en passant par la délicieuse Vénus à son miroir, et aux mystérieuses Ménines, on découvre le savoir-faire du peintre dans l'art de la composition, de la figuration naturelle et du traitement des couleurs qui ont fait la renommée de Velàzquez, "le plus grand de tous les peintres" selon Manet.

Avec son sens du détail autant que de l'ensemble, Karl Friedrich Schinkel (1781 1841) s'est fait connaître comme architecte et urbaniste, mais aussi comme peintre et comme concepteur de meubles et de décors de théâtre. Son travail fut tant admiré par le roi Frédéric-Guillaume III que Schinkel devint l'architecte officiel de la Prusse et oeuvra comme tel durant presque toute sa carrière, bâtissant les grands monuments de Berlin, y compris le Schauspielhaus et le Altes Museum. La plupart des oeuvres les plus célèbres de Schinkel sont de style néo-classique, plus proches des canons de la Grèce antique que de ceux de la Rome impériale. Schinkel adopte ensuite une esthétique néo-gothique, comme en témoignent les fenêtres élancées et la nef en enfilade

Artiste symboliste majeur, Odilon Redon (1840-1916) est aussi le peintre des extrêmes émotionnels et du pittoresque. Jusqu'en 1890 environ, il est uniquement réputé pour ses tableaux en noir et blanc. Ces "Noirs", dessins au fusain ou lithographies sont composés d'une sombre palette et peuplés d'inquiétantes formes fantastiques. Peu à peu, l'artiste introduit dans son oeuvre des pastels colorés, s'accompagnant de nouveaux motifs plus légers. Les fleurs deviennent un thème récurrent. Les symboles de la mélancolie cèdent la place à des chevaux et des papillons virevoltants. Si l'harmonie et le lyrisme tardifs de Redon tranchent nettement avec sa mélancolie première, il garde pour principe directeur : "placer le visible au service de l'invisible". A travers son imagerie onirique, ses textures somptueuses et son usage de la couleur, Redon a cherché à créer un équivalent pictural de sa propre psyché. De l'angoisse à la légèreté, il a avant tout été un artiste des états d'esprit, qui a beaucoup influencé le post-impressionnisme.

Né Charles-Edouard Jeanneret, Le Corbusier (1887-1965) est large- ment acclamé comme l’architecte le plus influent du 20e siècle. Appliqués à des résidences privées comme à des logements sociaux, ses idées, créations et écrits radicaux composent une réinvention totale non seulement des structures individuelles, mais aussi, plus globalement, la façon dont la vie moderne est conçue. Le travail de Le Corbusier a évolué au fil des années, de ses premières maisons vernaculaires en Suisse aux synthèses dynamiques d’art et d’architecture que constituent la chapelle de Ronchamp ou la cité administrative de Chandigarh, en Inde, en passant par ses époustouflantes villas blanches et puristes. Le fil conducteur de ces créations est sa capacité à combiner aspirations fonctionnalistes et un sens aiguisé de l’expressionnisme, ainsi qu’une appréhension plus large et plus empathique de l’urbanisme, puisqu’il fait partie des membres fondateurs du Congrès international d’architecture moderne (CIAM), qui défendait une «architecture comme art social». Ce livre expose certains des projets majeurs de Le Corbusier pour présenter un architecte, penseur et pionnier de la modernité qui, même dans ses projets jamais réalisés, a fourni matière à débat et inspiration aux générations à venir.