Arts

Rapidité, précision, le football moderne fait appel à des réactions et à des réalisations techniques. Pour atteindre un haut niveau de performance sur le terrain, le joueur doit travailler sa vitesse. Support théorique et guide pratique pour tous les professionnels du football (préparateurs physiques, éducateurs, étudiants), La Prépa Physique Football : une saison de vivacité est l'ouvrage de référence sur le travail de la vivacité dans cette discipline. Il propose une méthode d'entrainement simple à mettre en place sur le terrain, avec peu de matériel. Chaque séance se compose d'une thématique spécifique en fonction du travail recherché (travail d'appuis, vivacité, explosivité, etc.). L'objectif : réaliser une meilleure planification et améliorer la performance globale (athlétique, technique et tactique).

Le Case Study House Program (1945-1966), moment d'innovation exceptionnel dans l'histoire de l'architecture américaine, demeure unique à ce jour. Ce programme, concentré sur la région de Los Angeles et supervisant la conception de 36 prototypes de maison, visait à rendre abordables les plans de demeures modernes faciles à construire pendant le boom du bâtiment de l'après-guerre. L'initiateur et animateur du programme était le rédacteur en chef du magazine Arts & Architecture, John Entenza, champion du modernisme, qui possédait les relations nécessaires pour attirer certains des plus grands talents de l'architecture comme Richard Neutra, Charles et Ray Eames ou Eero Saarinen. Essentiellement expérimental, ce programme généra des maisons conçues pour redéfinir le logement moderne qui ont profondément influencé l'architecture américaine et internationale

Le béton ? Cette matière sans âme avec laquelle on fait les parkings et les barres d'immeubles communistes, c'est ça? Eh bien, oui. Et non. Le béton est en réalité un nom qu'on donne à une incroyable diversité d'éléments de construction, mais, travaillé comme il faut, il est devenu un des matériaux nobles de l'architecture contemporaine. Sorte de «pierre liquide» au départ, il est malléable, durable et permet de prodigieux exploits d'ingénierie. Ce livre en deux volumes met en lumière les meilleures réalisations à base de béton de ces dernières années. Vous y retrouverez des vedettes comme Zaha Hadid, Herzog & de Meuron et Steven Holl, mais aussi de surprenants nouveaux architectes, les Russes de SPEECH notamment, ou des étoiles montantes

Expressionniste avant l'heure, James Ensor (1860-1949) était un énigmatique «insider-outsider». Il connaissait les personnalités incontournables du monde de l'art mais en détestait la plupart. Son style faisait le grand écart entre gothique fantastique et vision chrétienne. Pionnier cosmopolite du modernisme, il vivait en reclus dans une mansarde de la station balnéaire d'Ostende. Malgré son caractère insaisissable, Ensor a influencé des générations d'artistes à travers des tableaux, estampes et dessins saisissants, souvent macabres. Il est devenu une référence, notamment pour son usage de la satire cinglante et de l'allégorie, son emploi novateur de la lumière et son intérêt pour le carnaval et la performance qu'illustre L'Entrée du Christ à Bruxelles en 1889, ainsi que pour une large palette d'autoportraits dans lesquels il exploite masques, travestissements et jeux de rôle, prenant les traits du Christ sur la croix comme ceux d'un dandy travesti. Cette introduction à l'oeuvre d'Ensor explore la richesse et la diversité de son imagerie à travers des exemples représentatifs de sa production, à la fois macabre et hors norme.

Peintre, sculpteur, écrivain, réalisateur et homme de spectacle, Salvador Dalí (1904-1989) fut un des plus grands exhibitionnistes et excentriques du vingtième siècle. Il fut aussi un des premiers artistes à appliquer les théories de la psychanalyse freudienne à l'art, et devint célèbre avec ses oeuvres surréalistes, comme les montres molles ou le téléphone homard, qui sont aujourd'hui des jalons de l'entreprise surréaliste et du modernisme en général. Dalí décrivait fréquemment ses peintures comme "des photographies de rêves peints à la main" . La tension captivante qui en émane réside dans la représentation précise d'éléments bizarres et dans ses compositions incongrues. Comme l'expliquait lui-même Dalí, il peignait avec "la plus impérialiste rage de précision" , mais seulement "pour systématiser la confusion et ainsi participer à discréditer totalement le monde de la réalité". Révolutionnant le rôle de l'artiste, le moustachu Dalí eut aussi l'intuition d'exhiber un personnage controversé dans l'arène publique et de créer à travers la gravure, la mode, la publicité, l'écriture et le cinéma une oeuvre qui pouvait être consommée et pas seulement contemplée au mur d'un musée. Ce livre explore à la fois la peinture et la personnalité de Dalí, en présentant ses aptitudes techniques, ses compositions provocatrices et ses thèmes fétiches, souvent ardus - la mort, le pourrissement et l'érotisme.

Au cours des trente années suivantes, Steinweiss réalise des milliers d'oeuvres originales sur les pochettes de disques de musique classique, de jazz ou de variétés pour Columbia, Decca, London et Everest, ainsi que des logos, des étiquettes, des supports publicitaires, et même sa propre police de caractère, la «Steinweiss Scrawl». Ses créations audacieuses, rassemblées ici dans toutes leurs combinaisons de typographie innovante et d'illustrations élégantes, ont révolutionné la manière dont les disques étaient vendus. Ce livre inclut les souvenirs et objets personnels de Steinweiss liés à sa carrière fascinante, ainsi que de précieux essais du directeur artistique et designer Kevin Reagan, récompensé trois fois par les Grammy Awards, et de l'historien du graphisme Steven Heller.

En 1966, alors qu'elle travaille brièvement comme réceptionniste pour le magazine Town and Country, Linda Eastman décroche une accréditation presse pour assister à un événement promotionnel exclusif autour des Rolling Stones, à bord d'un yacht sur l'Hudson. Grâce à ses photos du groupe, fraîches et sincères, qui s'avèrent bien meilleures que celles du photographe officiel des Stones, Linda s'assure une place parmi les photographes de rock. Deux ans après, en mai 1968, elle entre dans le livre des records en devenant la première femme à voir ses photos en couverture de Rolling Stone, grâce à son portrait d'Eric Clapton. Elle immortalise ensuite sur pellicule la plupart des stars du rock de l'époque, comme Aretha Franklin, Jimi Hendrix, Bob Dylan, Janis Joplin, Simon & Garfunkel, The Who, The Doors et les Grateful Dead. En 1967, Linda part à Londres pour photographier les "Swinging Sixties" , rencontre Paul McCartney au club Bag O'Nails et finit par prendre les Beatles en photo lors du lancement de l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Paul et Linda tombent amoureux, et se marient le 12 mars 1969. Pendant les trois décennies suivantes, et jusqu'à sa mort prématurée, elle se consacre à sa famille, au végétarisme, à la protection des animaux et à la photographie. De ses premiers portraits rock'n'roll, jusqu'aux dernières années des Beatles, sans oublier le temps passé à élever quatre enfants avec Paul, Linda a immortalisé tout son petit monde sur pellicule. Ses clichés vont des instantanés de la vie de famille aux images de sessions d'enregistrement avec Stevie Wonder et Michael Jackson, en passant par des rencontres avec des artistes comme Willem de Kooning ou Gilbert et George. Toujours modeste et spontanée, son oeuvre témoigne d'une générosité et d'un sens de l'instant décisif capables de saisir l'essence de tout sujet. Qu'elle ait photographié ses enfants, des célébrités, des animaux ou un instant fugace de la vie quotidienne, elle l'a toujours fait sans prétention et sans artifice. Cette rétrospective propose un hommage très personnel au talent de Linda, réalisé en étroite collaboration avec la famille McCartney, avec des préfaces de Paul, Stella et Mary McCartney.

Artiste symboliste majeur, Odilon Redon (1840-1916) est aussi le peintre des extrêmes émotionnels et du pittoresque. Jusqu'en 1890 environ, il est uniquement réputé pour ses tableaux en noir et blanc. Ces "Noirs", dessins au fusain ou lithographies sont composés d'une sombre palette et peuplés d'inquiétantes formes fantastiques. Peu à peu, l'artiste introduit dans son oeuvre des pastels colorés, s'accompagnant de nouveaux motifs plus légers. Les fleurs deviennent un thème récurrent. Les symboles de la mélancolie cèdent la place à des chevaux et des papillons virevoltants. Si l'harmonie et le lyrisme tardifs de Redon tranchent nettement avec sa mélancolie première, il garde pour principe directeur : "placer le visible au service de l'invisible". A travers son imagerie onirique, ses textures somptueuses et son usage de la couleur, Redon a cherché à créer un équivalent pictural de sa propre psyché. De l'angoisse à la légèreté, il a avant tout été un artiste des états d'esprit, qui a beaucoup influencé le post-impressionnisme.

Les formes excessives et joyeuses de Fernando Botero Fernando Botero est un artiste au style très personnel. Pendant plus de soixante ans, la technique "boteriste" du Colombien est entrée chez les collectionneurs, dans les institutions et les espaces publics avec son approche unique, pulpeuse et exagérée du corps humain. Grâce à ses créations obèses, Botero est devenu l'un des artistes les plus reconnus d'Amérique latine, et ses oeuvres d'art ont été exposées dans des lieux grandioses du monde entier, dont Park Avenue à New York et les Champs-Elysées à Paris. Cet ouvrage offre une initiation essentielle à cette figure éminente parmi toutes celles qui incarnent l'art contemporain. Retraçant l'oeuvre de Botero, depuis ses premières caricatures d'animaux jusqu'à ses récentes sculptures gigantesques en bronze, le livre approfondit les influences multiples de l'artiste, de Paolo Uccello à l'expressionisme abstrait, et rend hommage à l'humour, l'ironie, la vision et la finesse critique qui nourrissent ses compositions, aussi absurdes que soient leurs proportions.

C'est à une époque où l'ère de l'information était un horizon lointain et le monde un univers si mystérieux que National Geographic a entrepris sa mission de faire connaître les merveilles de l'histoire, de la science et de la culture au public enthousiaste du monde entier. Depuis son lancement en 1888, le monde a changé ; les empires se sont étendus, puis effondrés, et une masse d'informations est aujourd'hui à la portée du moindre clic de souris. Pourtant, National Geographic continue d'exister. Sa voix, appréciée pour sa retenue et son sérieux, est plus écoutée que jamais, au milieu du flot d'informations continu qui traverse nos vies quotidiennes. Dans ce nouveau recueil, TASCHEN et National Geographic ont réuni les meilleures infographies publiées